Elbert Hubbard diz que "a arte não é uma coisa; é um caminho". Adoro esta citação porque mostra o processo sobre o produto.
Como músicos, criadores de arte desinibida, nossa mentalidade e paixão são tudo.
O processo artístico começa na sua cabeça e no seu coração, e o que você cria depois é apenas uma réplica do que você sente e vê.
Para ser um verdadeiro artista, seu processo criativo de música deve nascer de um desejo ardente de se expressar, uma necessidade de pegar algo de dentro e moldá-lo em algo que possa ser sentido e compreendido por qualquer pessoa.
O artista Paul Knee afirmou isso melhor quando disse: "A arte não reproduz o que é visível; ela torna as coisas visíveis."
Como a arte difere do entretenimento?
Quando o propósito estético precede as considerações de exposição e vendas, a arte vence o entretenimento.
Começa com a intenção artística e resulta na resposta do público. O entretenimento é mais sobre o artifício, enquanto a arte tem uma fortaleza na substância.
Em um movimento artístico internacional, Makoto Fujimura afirmou de maneira brilhante o seguinte:
"Entretenimento lhe dá um prazer previsível. Arte ... leva à transformação. Desperta você, ao invés de apenas satisfazer um desejo."
O problema com os músicos que se sentem pressionados a criar uma música que venda é que a música em si se torna cada vez menos uma forma de arte.
Certos gêneros musicais tornaram-se quase estereotipados porque os escritores são forçados a seguir os modelos padrão do que se espera que aconteça (ou seja, o primeiro refrão chegando em 20 segundos).
A arte é impulsionada primeiro pelo desejo de agradar a uma base de consumidores.
Quando o marketing impulsiona a produção de música, o resultado é uma música sem significado.
O problema é que o entretenimento nos deixa relativamente inalterados porque não exige nada de nós, exceto nossa atenção passageira. Alternativamente, a arte o força a fazer uma escolha, a examinar sua vida e, às vezes, a própria vida, e a ser vulnerável e exposto a sentimentos reais.
Embora existam diferenças notáveis entre Picasso e Kendrick Lamar, o atributo que eles compartilham é que sua arte explora as emoções de seu público.
Os artistas se concentram principalmente na criação de uma fantasia, enquanto os artistas assumem o papel de representar a realidade e espelhar a condição humana.
Nunca vou me esquecer de ver James Blake ao vivo na House of Blues em Boston.
A configuração do palco era simples: teclados MIDI, pedais vocais e iluminação.
Não havia dançarinos, nem roupas malucas, apenas um homem em um banco que tinha uma história para contar.
Ele não foi afetado pela transformação por que passam alguns artistas quando se tornam animadores, sentindo que precisam fazer um show cheio de produção espalhafatosa.
Embora eu acredite que seja possível superar esse dilema como músico, à medida que você se torna mais uma figura pública, é indiscutivelmente desafiador fazê-lo de forma consistente.
Você deve ser capaz de fornecer material atraente que se traduza em públicos amplamente variados e que atenda às demandas das pessoas ao seu redor.
Gaga mencionou sua frustração em ser vista como uma figura pública primeiro e depois como uma artista, e como sua presença se tornou mais importante do que seu produto conforme sua carreira se desenvolvia.
Da perspectiva do público
Lady Gaga falou brevemente sobre como vivemos em uma era digital onde nossa comunicação é prejudicada e tudo deve ser entregue imediatamente.
Com plataformas de streaming e meios de comunicação social como o Snapchat, ter acesso instantâneo a tudo levou a atenção ao ponto mais baixo.
É uma pena que vivemos em uma geração de edição de rádio, onde se uma música ultrapassar quatro minutos, ela perde o interesse das pessoas.
A maioria dos ouvintes que se autodenominam fãs de artistas só conhece as letras dos melhores singles e não se dá ao trabalho de ouvir álbuns inteiros.
Precisamos deixar de ser consumidores para querer ser consumidos. Alguns anos atrás, quando Beyoncé cantou "Irreplaceable" na frente de uma casa cheia no Gwinnett Center de Atlanta, ela chamou um fã que a filmou usando o telefone, dizendo:
"Viu? Você não consegue nem cantar porque está muito ocupado gravando.
Estou bem na sua cara, baby, você tem que aproveitar este momento, baby.
Abaixe essa maldita câmera! " Nós, como um coletivo de consumidores de música, precisamos valorizar melhor a forma de arte.
O entretenimento requer apenas receptores passivos, enquanto a arte exige uma ação proposital que desperte sua alma.
Beyoncé é um exemplo de artista que pode ter tido dificuldade em conciliar entretenimento com arte.
Não sou contra o entretenimento, mas tenho um respeito mais profundo pelos artistas que não negligenciam a verdadeira arte como entretenimento.
Beyoncé poderia silenciar qualquer estádio com uma versão acústica de "Halo", mas suas apresentações ao vivo consistem em trajes provocantes, arranjos produzidos pesadamente e dançarinos de apoio abertamente sexuais.
la se concentra em vender uma fantasia, em vez de exibir sua sutileza.
A solução?
Lady Gaga diz que foi importante para ela aprender a dizer não (por exemplo, tirar selfies de fãs e criar fragrâncias para marketing).
Sia nunca quis ser uma artista e ainda se recusa a se apresentar com o rosto exposto. Adele optou por não transmitir seu último álbum, 25 .
Sam Smith teve seis singles de sucesso de um único álbum ( In the Lonely Hour ), provando que você pode criar uma música sombria que vende, nascida de um desejo ardente de compartilhar um sentimento com o mundo.
Embora artistas como Taylor Swift, Thom Yorke, David Lowery, Beck e até mesmo Pink Floyd tenham usado serviços de streaming como Spotify e Pandora para lucros dos acionistas, porcentagens de artistas e conteúdo de publicidade paga, acho que há um problema maior em mãos. Não só o modelo em si precisa ser melhorado (como Jay-Z tentou com o Tidal) para que os artistas não sintam que cheques de royalties de serviços de streaming são efetivamente uma indenização por demissão, é preciso haver um apetite generalizado por arte verdadeira e artistas genuínos .
Se você valoriza a música como uma forma de arte, é importante tomar outras medidas. Tudo começa respeitando a integridade que os músicos têm como verdadeiros artistas.
Os verdadeiros artistas incorporam significado em seu trabalho, e seus seguidores devem investir no apoio a suas ambições. Lembre-se de que todos os artistas são artistas, mas nem todos os artistas são artistas.
É difícil para os artistas serem descobertos e prosperar em meio a uma indústria congestionada com um excesso de artistas, então cabe aos ouvintes abrir as portas para a verdadeira arte e dar-lhe uma plataforma para falar.
Caleb Hsu é um produtor vocal independente e engenheiro de gravação freelance baseado em Los Angeles.
Como pianista e compositor com formação clássica, ele gosta de escrever recursos de tecnologia musical que combinem sua formação em psicologia com as tendências atuais da indústria.